Живопись
Замечательный живописец Поль Сезанн писал своему ученику, художнику Э. Бернару:
«…Нельзя отделять рисунок от красок, нужно рисовать по мере того как пишете, и чем гармоничнее становятся краски, тем точнее делается рисунок. При наибольшем богатстве красок форма неизменно достигает своей полноты. Контрастные и гармоничные соотношения красок — вот секрет колорита и лепки».
В одной из наших бесед мы уже упоминали о роли рисунка в живописи. Важно понять, что в живописи нельзя рассматривать рисунок вне связи с цветом. Рисунок — это не «отдельный этап», предваряющий работу красками!
Многие начинающие художники поступают так: наносят на холст (или на бумагу) контурный рисунок, а затем механически заполняют его цветом. И в результате получается так называемый раскрашенный рисунок вместо живописи, работа, в которой краска «не превратилась» в цвет, выражающий зрительный образ натуры.
«Нужно рисовать по мере того, как пишете»… Когда краски в картине становятся формой, светом, пространством, тогда и рисунок становится убедительным. Не раскрашенный контур определяет связь рисунка с живописью, а поиски места и пропорций каждого цвета в общих соотношениях работы.
Рассмотрим это на таком примере. Предположим, вы пишете яблоко, которое лежит на столе, а свет падает сбоку. Если считать, что «точный» рисунок уже найден, когда в начале работы вы «очертите» форму яблока и наметили границу тени, то поневоле станете писать его изолированно. Вам покажется, что ваша задача выполнена, как только закроете цветом намеченный контур формы. В результате яблоко или «приклеится» к столу или, наоборот, «вырвется» из этюда.
Иное дело, если, наметив рисунок, вы как бы забудете об условных «краях» формы яблока, станете свободно писать, заботясь о том, чтобы цвет «лепил» это яблоко вместе с окружающим пространством — ближе и дальше, вверху и внизу, в тени, на свету и т. д. Вы тогда убедитесь, что только в процессе живописи, когда начинают взаимодействовать цвет с цветом — теплые и холодные, контрастные и сближенные тона — определится рисунок, характеризующий форму вашего яблока.
Рекомендуем в процессе работы над этюдом смелее, прямо цветом, то есть самой живописью, уточнять границы и взаиморасположение форм изображения. Если пишете несколько сеансов, то каждый раз в начале работы, прежде чем приступать к живописи, полезно как бы заново, «на свежий глаз», порисовать этюд, пользуясь, например, черной или коричневой краской (это, конечно, в основном относится к живописи маслом). Такое уточнение рисунка помогает дальнейшему уточнению цветовых отношений этюда.
Обратите внимание, как по-разному трактуют художники в своих произведениях объемную форму натуры. Если, например, в натюрморте К. Петрова-Водкина «Яблоко и вишня» объем предметов лепится очень скульптурно, то в картине Н. Крымова «Желтый сарай» все формы (сарай, кроны деревьев, лошадь) строятся, скорее, как цветовые планы, а не как объемные рельефы.
В натюрморте И. Машкова «Фрукты на блюде» объем апельсина почти не выражен, тогда как форма персиков вылеплена гораздо осязательнее. Следовательно, даже в одной и той же картине не обязательно все формы решать однозначно. Все зависит от принципа образного воплощения, который избрал художник для осуществления своего замысла.
С этим же связаны и живописные приемы выражения формы и объема. Можно выявить объем предмета и его связь с пространственной средой посредством тонких цветовых переходов от света к тени, от выступающих участков поверхности к участкам, образующим поворот формы и т. д. Чем богаче градации цветовых оттенков, тем выразительнее получится изображение. Можно очень живо передать объем более обобщенной живописью, то есть показать конструкцию формы, светотень широкими цветовыми планами, резкими контрастами цветовых тонов. Можно даже работать совсем скупыми средствами, например, сочетанием пятен, выражающих общие массы всех форм изображения. Одним словом, здесь также нет «рецепта». Следует понять — не механическое раскрашивание, а острое ощущение характера форм и объемов натуры, наблюдение того, как они «устроены» и как воспринимаются в данных конкретных условиях, — вот что главное для художника, когда он пишет натуру.
Станете ли вы изображать натюрморт, человека, дома, деревья — поставьте себе целью выразить «форму как характер» (К. Коровин). Большую помощь в этом может оказать вам освещение. Например, при боковом освещении сильнее подчеркивается лепка объемов натуры. Если натура освещена прямыми лучами света, то скульптурность объема смягчается. Против света — форма воспринимается силуэтно и т. д. Поэтому выбор освещения сообразуйте с вашим замыслом.
Полезно в некоторых случаях написать одну и ту же натуру в разных положениях относительно источника света (например, освещенную сбоку, прямо, против света).
ДЛЯ ВАШЕЙ ЗАПИСНОЙ КНИЖКИ
«Живописцы, не являющиеся колористами, создают раскрашенные рисунки, но не живопись… Скульптор не начинает своей работы с контура. При помощи свойственного ему материала он строит подобие предмета, которое уже с самого начала… воплощает… реальную объемность и плотность. Колористы, то есть те, кто умеет связать в одно целое все части живописной поверхности… должны также размещать цветовые пятна, как скульптор распределяет глину, мраморную или деревянную массу; их эскиз, как и в скульптуре, должен равным образом установить отношения, перспективу, движение и цвет». Делакруа
«Цвет и форма неразрывно связаны между собой как дополняющие и определяющие друг друга, то есть изменение формы меняет цвет, за переменой цвета следует перемена формы». Петров-Водкин
…«Так как руки, глаз, чувства, мысли у каждого свои, не похожие ни на кого другого, то и техника не может не быть индивидуальной, если не вмещать в нее постороннего, обезличивающего». Голубкина
Картины для самостоятельного поиска в интернете
П. Сезанн. Мужчина с трубкой. 1895—1900. Х., масло. ГМИИ
А. Руссо. Лодка на Сене. 1911. Х., масло
